CASA RURAL EL COCHERÓN 1919
lunes, 18 de mayo de 2009
ESCAPADAS
CASA RURAL EL COCHERÓN 1919
MADRID FOTO '09
La incorporación del espacio en la fotografía, el guiño al espectador -que deja de ser pasivo receptor para tomar parte en la creación- y los juegos infantiles fueron las claves de muchas de las obras expuestas.
domingo, 17 de mayo de 2009
'LA BELLA DURMIENTE' HECHIZA AL PRADO
La pinacoteca madrileña acoge 17 obras prerrafaelitas del Museo de Arte de Ponce
Una hermosa mujer duerme plácidamente bajo la clara luz de una mañana de verano, mientras decenas de personas la observan con admiración. La obra maestra del pintor británico Frederic Leighton, ‘Sol ardiente de junio’, fascina al público del Museo Nacional del Prado, que podrá contemplar la exposición de pintura victoriana hasta el 31 de mayo.
La renovación y ampliación del Museo de Arte de Ponce ha permitido realizar una exposición retrospectiva de pintura victoriana en Madrid. Bajo el título ‘La bella durmiente’ el Museo Nacional del Prado paliará temporalmente su carencia de obra británica.
La muestra reúne 7 dibujos y 10 pinturas seleccionadas de entre la extensa colección del museo portorriqueño, que debe su existencia a la iniciativa de Luis A. Ferré (1904-2003), importante economista y político de la historia reciente de Puerto Rico.
La admiración de Ferré por el arte europeo le llevó a aglutinar desde 1959 una importante cantidad de obra británica de la segunda mitad del siglo XIX. Paradójicamente este período, que dio a luz obras de indudable calidad, no fue valorado hasta finales del XX.
La exposición de Madrid se centra en la pintura de los prerrafaelitas, un grupo de artistas jóvenes, que, cansados de la mediocridad de la pintura inglesa y del conservadurismo de la Royal Academy of Arts, fundaron en 1848 en Londres una hermandad cuyo objetivo era recuperar los valores de inocencia y peso moral que tenía la pintura antes de Rafael. El historiador Heather Birchall cuenta que, para ello, se inspiraron en el espíritu artístico, la técnica y el simbolismo de los primitivos italianos -especialmente Fra Angelico, Botticelli o Benozzo Gozzoli- y los artistas del norte de Europa.
"Sus objetivos (eran) tener ideas genuinas que expresar; estudiar atentamente la naturaleza; compartir lo que es directo, serio y sincero del arte de períodos anteriores, y huir de lo convencional, la presunción y lo aprendido de memoria", explica Birchall.
Del compromiso social al arte por el arte
El ideal de fidelidad a la naturaleza se puede observar en el cuadro de Thomas Seddon (1821-1856), Léhon desde Mont Parnasse, Bretaña (1853), en el que el artista se enfrentó al paisaje de forma directa e intentó transmitir hasta el más ínfimo detalle.
Léhon desde Mont Parnasse, Bretaña (1853), por Thomas Seddon/MAP
También se aprecia esta intención en una obra de finales de siglo, La escuela de la naturaleza (1893-1984), donde William Holman Hunt (1827-1910) -el pintor que mejor representa los ideales prerrafaelitas y que más fiel se mantuvo a ellos- retrató a su hija Gladys.
La escuela de la naturaleza (1893-1894), de Holmant Hunt/MAP
La exposición cuenta además con escenas históricas, como La huida de una hereje (1559) de John E. Millais (1829-1896); o con el prototipo de las mujeres de ensoñación, típicas de la segunda fase prerrafaelita -desde 1860-, en La viuda romana (Dis Manibus) (1874) de Dante G. Rossetti (1828-1882).
La viuda romana (Dis Manibus) (1874) de Dante Gabriel Rosetti/MAP
Pero el cuadro que mejor ejemplifica la serie de retratos alegóricos femeninos es Sol ardiente de junio (1895), de Frederic Leighton (1830-1896), pieza talismán del Museo de Arte de Ponce. Esta obra es un hito dentro de la producción pictórica de finales de época decimonónica. Como explicó el comisario de la exposición, Gabriele Finaldi, es el símbolo de un arte extremadamente refinado, que retorna al mundo clásico y en el que se admira a la belleza por sí misma, es decir, el arte por el arte.
La bella durmiente, serie de El rosal silvestre (1871-1873), por Burne-Jones/MAP
Sueño y muerte, ambiguos hermanos, confunden al espectador, que no podrá sino sumirse en la ensoñación victoriana y disfrutar del "art for art sick" (literalmente, el arte por la enfermedad del arte).
Sara Cañizal Sardón
BIBLIOGRAFÍA
La Bella durmiente. Pintura victoriana del Museo de Arte de Ponce, Madrid, Museo Nacional del Prado y BBVA, 2009.
http://www.mcu.es/novedades/2009/novedades_La_Bella_Durmiente.html
http://www.revistaviajar.es/Agenda/La-Bella-durmiente-en-02-2009-76133.html
domingo, 10 de mayo de 2009
Rare and Chic, nº 2. ¿Qué encontrarás en este número?
XXI Gala del Día Internacional de la Danza
REPORTAJE
Carmen, un homenaje a la mujer
AGENDA y NOTICIAS BREVES
REPORTAJE
Generación 2.0
UNA TARDE CON...
Simona Ticciati
A FONDO
Las exóticas danzas de Oriente
ESPECTÁCULO Rare&Chic
PARA SABER MÁS...
Rare and Chic, nº 2. EDITORIAL
Quizás sea esa característica igualitaria de la danza la que ha hecho que programas como "Fama, ¡A bailar!", en el que jóvenes talentos bailan por un sueño, hayan calado tan hondo en nuestra sociedad y llegado a llenar plazas de toros.
Rare & Chic rinde en este número un homenaje a la belleza del cuerpo humano en movimiento y al arte puro de la danza que por fín encuentra su hueco en la oferta cultural de la ciudad.
XXI GALA DEL DÍA INTERNACIONAL DE LA DANZA
Madrid rinde homenaje a la bailarina, coreógrafa y maestra Aurora Pons
El 29 de abril se celebró la XXI Gala del Día Internacional de la Danza, en la que se rindió homenaje a Aurora Pons, una mujer que ha dedicado toda su vida por y para la danza.
Bajo el título de "Ayer y hoy en la danza" la Asociación por la Danza -en colaboración con la Consejería de Cultura, Deporte y Turismo de la Comunidad de Madrid y la Asociación de Profesionales de la Danza- organizó en el Teatro de Madrid una jornada en la que participaron bailarines y artistas de renombre.
El Día Internacional de la Danza fue instaurado por el Comité de Danza Internacional del Instituto Internacional del Teatro, coincidiendo con la fecha del nacimiento de Jean-Georges Noverre (1727-1810), creador del Ballet Moderno.
Con el homenaje a Aurora Pons, se buscaba echar una mirada al pasado de la danza, ya que, como ha admitido Ana Cabo, directora del XXIV Festival Internacional de Madrid en Danza, dentro del que se englobaba este evento, todo el futuro de esta disciplina depende de su pasado.
Tras la lectura del manifiesto del día de la danza, escrito por el bailarín y coreógrafo Akram Khan, en el que se recordaban los miles de dialectos que impulsan a los hombres a moverse, los madrileños pudieron disfru-tar de un día lleno de magia.
Por la mañana Emmanuelle Broncin y Adrián Herrero interpretaron "Tan lejos y sin embargo tan cerca"; Clara Barberá estrenó "Eight Ball"; la compañía de Olga Pericet, "Chanta la Mui, bailó un extracto de "Complot"; María Alonso ejecutó "Castilla", y la compañía de Antonio Najarro "Improv" y "La boda de Luis Alonso".
La tarde se centró en la figura de Aurora Pons. Sus antiguas alumnas, Laura Hormigón y Kira Gimeno, presentaron en su honor "Don Quijote Pas de Deux" y "La niña de fuego", respectivamente.
Aurora Pons nació en Barcelona. Allí cursó los estudios de danza en el Instituto Teatro de la ciudad.
A lo largo de su carrera ha recibido numerosos galardones, entre los que cabe destacar el Premio Nacional a la mejor Bailarina Clásica (1955), el Premio del Teatro a la Mejor Bailarina (1965) o la Medalla al Mérito del las Bellas Artes (1992).
Sara Cañizal Sardón
REPORTAJE: CARMEN, UN HOMENAJE A LA MUJER
Sara Baras resucita al personaje de Mérimée y lo adapta a nuestro tiempo
Años más tarde, se convirtió en el melodrama francés más aclamado y más veces representado a nivel internacional.
"Carmen" ha sido llevada al cine en numerosas ocasiones y, en España cuenta con un fabuloso precedente en la danza, la recreación realizada por Antonio Gades.
La readaptación de Sara Baras recupera el mito y concede nuevos aires a esta historia. Su versión fue estrenada en El Liceu de Barcelona y, a consecuencia de su éxito, re-presentada en el Teâtre de los Champés-Elysées de París. Ahora viaja por España y los madrileños podrán disfrutar hasta el 31 de mayo de este espectáculo en el Teatro Lope de Vega de Madrid.
Sara Baras parece perseguir el concepto creado por Richard Wagner de "obra total". La renombrada bailarina gaditana ha dirigido tanto las coreo-grafías como la escenografía y parte del vestuario de este espectáculo, en el que el amor y la muerte, la pasión y el desengaño se visten de rojo y negro, y se reinventa la bata de cola.
La luz, empleada de modo escenográfico, es la protago-nista absoluta en algunos pases: puertas que se abren y se cierran, permitiendo ver a unas personas y ocultando a otras, telones de guillotina que hacen que el espectador se re-cree en excelentes zapateados, o proyecciones sobre el suelo se combinan con las sucesivas imágenes de las pantallas si-tuadas al fondo de escena.
Sara Baras convierte el escenario en un tablao flamenco -cuatro guitarristas, tres cantaores, dos violines y un percusionista acompañan durante la obra a los bailari-nes- o en una plaza de toros sillas colocadas en círculo-.
En definitiva, pintura, escultura, arquitectura y música se dan la mano en un proverbial espectáculo.
La historia se estructura en tres actos y dieciocho cuadros, se-parados por cortes oscuros, en los que se hace todo un alarde de del buen flamenco.
El argumento transcurre en principio lentamente, en mo-vimientos contenidos y de gran dificultad técnica, y va adquiriendo fuerza en escenas llenas de garra y dominio gracias a un cuerpo de baile pulcro y con un control magistral de los movimientos.
Caben destacar los proverbiales braceos de la habanera de Sara Baras, cuando el amor es dulce, y el zapateado enérgico de la alegría. También fue sin lugar a dudas sobresaliente la fa-rruca de Luis Ortega y el paso por tangos de José Serrano.
La danza vence al drama
A este soberbio espectáculo sólo le cabe un pero, y es la fa-lta de definición de los personajes masculinos. El conocedor de la historia intentará encontrar fallidamente los rasgos de los protagonistas de la novela de Mérimée y el ajeno a la obra original lo único que tendrá verdaderamente claro es que el argumento principal trata de una mujer con el corazón dividido entre dos hombres, uno de los cuales es un torero. Una "abstración poética" que quizás descentre al auditorio, ya que la danza vence, sin lugar a dudas, al drama, y rompe el equilibrio que se parece perseguir en principio esta obra.
En contraposición, el perso-naje de Carmen sí queda claro para el espectador. Acompañada por Luis Ortega, "Don José", y José Serrano, "Escamillo", Sara Baras encarna al personaje de la cigarrera decimonónica, pero lo moderniza y
lo adapta a nuestro tiempo.
Carmen es una mujer de hoy, que contra todo pronóstico vive la vida que sueña y que no se deja arrastrar por este-reotipos. Carmen es de carne y hueso, rompe moldes y se libera del yugo de las convenciones gracias a la danza.
Como demuestran las fotografías de mujeres toda raza y condición que aparecen al fondo de escena en el desenlace de la historia, Carmen es un homenaje a todas y cada una de las mujeres de nuestro tiempo, que han luchado contra corriente para hacerse res-petar y alcanzar el lugar que les corresponde en la sociedad, aunque aún quede mucho camino por recorrer.
Carmen, o Sara Baras, como quieran llamarla, tiene duende. Y así lo demuestra su fiel público, que se pone en pie para homenajear a la artista, y que rompe el protocolo en mitad de un cuadro. Un espectáculo de flamenco de altura que nadie debería perder.
Sara Cañizal Sardón
LAS MEJORES PROPUESTAS RARE & CHIC
La danza como arte, puede serlo de forma activa o contemplativa. El equipo de Rare & Chic ofrece una selección de rincones de Madrid donde aprender a bailar o embelesarse con el baile de otros mientras, por ejemplo...te cultivas en gastronomías del mundo.
Scaena. Centro de Artes Escénicas de Carmen Roche (C/ Coslada 7 bis)
Este escuela,de las más prestigiosas de danza clásica, española y contemporánea de Madrid, fue originariamente un garaje que el famoso bailarín Antonio convirtió en teatro, y que ahora Carmen Roche y Antonio Canales han transformado en esculea de baile.
Centro de Ocio El Horno (C/ Esgrima 13)
Esta vivienda antigua en el corazón de Madrid ha sido adaptada para impartir clases de baile o música de todo tipo. Cuenta con trece salas y una amplísima y exótica oferta a precios muy asequibles.
PLACERES CULINARIOS A RITMO DE ARTE
Restaurante Teherán (C/ Ayala 140)
Un restaurante regentado por una familia iraní instalada en Madrid desde hace 25 años podrán degustar deliciosos platos persas, endulzarse con baklawa o tomarse un té aromático. Los viernes y sábados se ofrece un espectáculo de danza oriental. Nuestra sugerencia: ensalada de yogur con pepinos, pasas y nueces y el guiso de cordero con verdudas.
La negra Tomasa (C/ Cádiz 9)
Entre fotos de Cuba, un mojito y un buen plato de congrí, todos los días podrá disfrutar de un animado espectáculo de salsa y calidez isleña. Sabor y ritmos cubanos en un local en el que hasta puede hacer sus consultas a un santero a cambio de la voluntad.
Corral de la Pacheca (C/ J. Ramón Jiménez 26)
No hace falta salir de Madrid para disfrutar de un espectáculo de auténtico flamenco y degustar un buen plato de comida española. Este local, fundado en 1971, se levanta en el mismo solar de un famoso corral de comedias, del que aún se conserva su nombre.
S. Cañizal Sardón y M. Rodríguez Pallares
NOTICIAS BREVES
Este circo, que nació como un proyecto de integración de jóvenes de Dar es Salaam (Tanzania) a día de hoy puede presumir de ofrecer un espectáculo de ensueño. Virtuosismo, magia, percusión y cultura tradicional africana deleitaron a los madrileños. Una experiencia única.
UN SUEÑO TECNOLÓGICO
Los días 24 y 25 de abril la danza y las nuevas tecnologías se fusionaron en Entity , un experimento inclasificable de Wayner MacGregor, una de las figuras más relevantes de la danza británica. Un viaje impactante, en el que el video-art y el cuerpo humano convivieron y emocionaron a los asistentes.
FESTIMAD
Un año más Madrid ha abierto sus puertas a la música alternativa. Con más de 90 actuaciones distribuidas en teatros, clubs y salas de conciertos, Festimad se ha convertido en uno de los festivales de más éxito en España. Visite su web en www.festimad.es.
VAMOS DE TIROTEO. Versiones de un tiempo pasado.
La compañía Rafaela Carrasco ha presentado los días 2 y 3 de mayo una visión actualizada del disco "Canciones Populares Españolas" de Federico García Lorca. Una concepción escénica vanguardista, para un clásico imprescindible.
HERMANOS DE BAILE: el auge del baile callejero
Un sobrio escenario, siete artistas, percusión de fondo y mucha danza. Flamenco, Break Dance y Tap Claqué se hermanan y dialogan en un espectáculo con improvisación de la buena y donde todo lo accesorio sobra. Un espectáculo con garra, que no dejó a nadie indiferente.
S. Cañizal y M. Rodríguez
Festival Internacional Madrid en Danza '09
La XXIV edición del Festival Internacional de danza contemporánea de mayor formato en España, apuesta por el futuro. El ciclo Generación 2.0 demostró que sus propuestas son el pase directo a una nueva posmodernidad, donde las nuevas tecnologías y la interdisciplinariedad redimensionan el arte coreográfico actual.
Este año, fiel al concepto de superación de fronteras, pudimos disfrutar de 59 actuaciones en la capital y también en varios de las localidades de la Comunidad de Madrid, ofreciendo un espectáculo accesible para todos, cercano y económico; un detalle mu significativo en estos tiempos de crisis que también sufre el arte.
Espacios escénicos
En esta escena sin fronteras, donde triunfa la intercultu-ralidad y el intercambio, el lenguaje de la danza se convierte en el nexo de unión no sólo de los creadores, sino del público que acude a liberarse del caos de la ciudad para fundirse en la exquisita armonía de la danza contemporánea.
Los que acudieron a muestras como Fausto, de Les ballets de Monte Carlo, pudieron deleitar-se con un clásico reinventado en una versión llena de guiños
a la música alemana. Estos tintes folklóricos fueron sello común de varias de las creaciones.
La novedad: ciclo Generación 2.0
A estos nuevos talentos les une que comenzaron su creación a partir del año 2000, y han sabido entrelazar el arte de sus propias tradiciones (también en este ciclo participan compañías de varias nacionalidades) con las inquietudes del siglo XXI.
Con su gran calidad, fuerza y trasgresión consiguieron entusiasmar al público.
La compañía gallega Entremans, dirigida por Alexis Fernández y Kirenia Martínez, presentó Concerto Desconcerto, una pieza en la que los bailarines ejecutan la música a partir del movimiento, creando la banda sonora de cada escena. Todo un ejemplo de interdisciplina-
riedad y dramaturgia, que deja entreveer de forma sutil las raíces del folklore gallego.
PROGRAMA DOBLE
Dos producciones de distintas nacionalidades compartieron cartel en un programa doble que obtuvo una muy buena acogida.
Se trata, por un lado, de la pieza Crying of my mother, de Raseed Muhanad, iraquí afincado en países Bajos.
Sobre el escenario, vimos a tres hombres de distintas facciones religiosas. Tres hombres que viven juntos hasta que un día la lucha, la avaricia, la guerra y la sangre se convierten en sus únicas palabras, en el único lenguaje posible. Con ello, Muhanad quiso conjugar su identidad iraquí con este nuevo mndo europeo.
Por otro, What scatches the glass from the inside, de la compañía griega Adlibdance, donde Katerina Papageorgiu (alias Kat Valastur) ejerce el papel de coreógrafa e intérprete.
Papageorgiou lleva a escena una creación que remite, en su estructura, a los mecanismos de la tragedia griega clásica. Una moderna Casandra (figura de la mitología condenada por el dios Apolo a predecir el futuro sin que nadie la creyera) ofrece un clímax psíquico que se traduce en movimientos improvisados.
María Ramiro Martín
LAS EXÓTICAS DANZAS DE ORIENTE
LAS EXÓTICAS DANZAS DE ORIENTE
Danza con doble velo/Sahra Ardah
Aunque muchas personas piensen que la danza del vientre y el Bollywood son términos equivalentes, lo cierto es que ambos responden a culturas y filosofías muy lejanas.
Por danza del vientre, danse du ventre o belly dance se conoce a un tipo de baile individual femenino. Este término crea-do y popularizado en Francia, comenzó a emplearse a raíz de la Feria Internacional de Chicago de 1888 para denominar al baile de una argelina que ejecutaba sorprendentes mo-vimientos de vientre y cadera. El nombre original para definir a esta danza es raqs sharqi, que significa literalmente danza oriental y hace referencia a un concepto mucho más complejo que la síntesis realizada por los europeos.
La danza oriental, cuyo origen fue situado en Egipto por el genial bailarín e historiador afincado en Madrid , Shokry Mohamed (1951-2006), es el sello de identidad de las culturas del norte de África y Oriente Próximo, aunque en cada lugar adquiere unas peculiaridades que la hacen única.
Hunde sus raíces en folclore y en las características de cada pueblo y conforma un amplísimo elenco de estilos. Sus elementos de apoyo son sumamente variados y dan idea de la complejidad de este arte: desde famoso velo hasta las modernas alas de Isis, pasando por los crótalos, el candelabro, las velas, el bastón, la pandereta, el sable, las dagas… y un largo etcétera que se va ampliando con el paso del tiempo.
Aunque paradógicamente nació como una forma de alabanza a la divinidad, en la actua-lidad este baile es perseguido en muchos de sus países de origen.
Estados Unidos y Europa han rescatado este arte concediéndole el lugar que se merece.
A día de hoy, en Madrid pueden encontrarse profesio-nales con academias especializadas como Gloria Alba, Nesma, Claudia Cenci o Morgana, que dedican su vida por y para esta danza.
El Bollywood, la danza a los dioses
El término Bollywood hacía referencia en su origen exclusivamene a la industria cinematográfica india de Bombay. La palabra fue acuñada en los 70 ya era un juego de palabras entre Bombay y Hollywood.
Las coreografías que aparecían en los principios de la industria Bollywood se basaban en los estilos de danza clásica, danzas cortesanas del norte de la India (tawaif) o danzas populares. Al igual que la danza oriental, todos estos bailes tienen un origen religioso y su representación suponía un profundo conocimiento de los textos sagrados y de los mudras (posiciones de las manos de los bailarines con diversos significados). Sin embargo, al contrario que el rash sarqi, la danza hindú es consi-derada como un arte elevado y sumamente complejo, con el que el bailarín se acerca a la divinidad.
La industria de Bollywood implicó la aparición de un nuevo estilo de baile. En la actualidad, los elementos de las danza indias se mezclan con estilos de baile occidentales como el jazz, el funky, el hip-hop o la samba y la salsa. De hecho, no es extraño ver pop o números de danza clásica en la misma película.
El éxito de la industria ci-nematográfica india ha propiciado la expansión de esta nueva danza, que está ganando cada vez más adeptos.
En Madrid, profesionales como Patricia Passo o Mistri se dedican desde hace años a enseñar esta disciplina. En 2008 se abrió el Club Masala, dedicado a la promoción cultural y a la integración de inmigrantes de Asia del Sur, que emplea el Bollywood como herramienta para llegar a todos los públicos.
En los últimos meses en nuestra ciudad se ha podido asistir a variados espectáculos de ambas danzas.
En estos momentos aún están en cartelera ‘India, un viaje musical’, en el Teatro Príncipe Tres Cruces en Gran Vía. Este musical, protagonizado por el coreógrafo y bailarín Sunny Singh, recorre el folclore de siete regiones del país asiático hasta llegar a un rodaje de la meca del cine hindú.
El 9 de mayo, la bailarina Nesma presentará en el Teatro José María Rodero de Torrejón de Ardoz, su espectáculo ‘Sueños de Al-Ándalus’, un show de gran calidad que viajó el año pasado a Egipto y que hará las delicias de los madrileños.
Bollywood y Danza del vientre, dos bailes complejos y de indudable belleza. Algo especial deben tener, porque cada vez son más y más las mujeres occidentales que se deciden a descalzarse, atarse un pañuelo en la cadera y empezar a descubrir su propio cuerpo, permitiendo que surja toda la belleza que tienen en su interior y dejando a un lado convencionalismos.
DANZA ORIENTAL
Al Ándalus. C/ Vallehermoso 64, bajo.
Claudia Cenci. C/ Viriato 29.
El Karnak. C/ Libertad 7.
BOLLYWOOD
Club Masala. C/ Ponciano nº 4.
Patricia Passo. Compañía y escuela de danza. Pza. Ramales 2-3 izquierda.
Sara Cañizal Sardón
ENTREVISTA A SIMONA TICCIATI
"A través de los movimientos, quiero mostrar la felicidad que me proporciona la danza oriental"
Simona Ticciati, bailarina, coreógrafa y profesora de danza oriental italiana, visitó España para dar un curso intensivo e impulsar a un arte en auge a través de sus movimientos en el Centro de Ocio El Horno de Madrid. Al ritmo de una darbuka cameló a todo su público y nosotras estuvimos con ella.
Ticciati: Fue de forma casual, en el curso 90-91. Cuando acompañaba a mi hija a tomar unas clases, vi que había un curso de danza oriental y me inscribí. No era sólo de danza del vientre (término más común), también se impartían danza moderna y afrocubana. Para mi fue todo un descubrimiento, había hecho gimnasia, pero nunca danza y este baile me cautivó. Asistía 2 horas 3 días a la semana ¡y nunca faltaba!
R & C: Su maestro fue Esmat Osman (ya fallecido), uno de los impulsores de la danza oriental en Italia. ¿Cómo fue su relación con él?
Ticciati: Esmat Osman me ayudó muchísimo. Era una persona muy preparada, aunque en un principio yo no podía valorarlo, porque no era conocedora de la disciplina.
Gracias a su motivación, comencé a actuar en espec-táculos y me empecé a formar como maestra. Con el tiempo, me convertí en su asistente: le sustituía en sus clases y en los espectáculos. Después comencé a dar clases sola, aunque siempre considerando esta actividad como un hobby.
En realidad, no sé cuándo he comenzado a considerarla un trabajo, porque es algo que me hace feliz. La danza oriental te da tanto… Se crea una energía tan positiva, que te permite afrontar con mayor positividad todos los problemas del mundo.
R&C: También ha trabajado con el prestigioso músico marroquí Noureddine Fatty. ¿En qué consistió su colaboración?
Ticciati: Fui durante años la bailarina de sus conciertos. Ambos compartíamos la idea de que la danza oriental no sirve para entretener a los hombres, como una danza erótica. La danza es querer hacer ver a los otros la felicidad a la que se llega al danzarla. No tiene nada que ver con mostrar la belleza de la bailarina, como muchas personas piensan.
Simona Ticciati con las alumnas del curso intensivo/ R&C
R & C: ¿Qué fue lo que le atrajo más de la danza oriental?
Ticciati: En principio era la dulzura y suavidad de los movimientos, el hecho de poder sentirte en tu propio cuerpo, de expresar la felicidad de lo que estás haciendo. Luego, con el tiempo y el estudioconstante, se va madurando.
R&C: ¿Qué piensa de esas personas que tienen una concepción equivocada de la danza oriental?
Ticciati: Mi reacción inicial es de gran enfado. Yo no he tenido jamás ninguna manifestación negativa, pero el discurso lo he oído tanto... Cuando escucho algo así, lo que quiero es divulgar la realidad de esta danza, que es un arte delicado, bello, sublime, elegante y femenino. No es justo que se le denigre de esta manera.
R&C: Pero debe sentirse contenta, porque esto es algo que está cambiando. Hay muchas personas que aprenden la danza oriental, y que pueden ayudar a cambiar esta concepción.
Ticciati: Sí, en los últimos años el interés por la danza oriental ha aumentado. Por suerte los comentarios negativos no han tenido repercusiones. Otro factor importante es que muchos hombres se están interesando en esta danza, que siempre se había considerado femenina.
R&C: Háblenos de la Asociación Pianeta Oriente.
Ticciati: Es la asociación cultural que yo quise fundar para poder difundir mediante conferencias temas referentes a la cultura y tradiciones del mundo árabe. Se hace hincapié en la música, la danza y los aspectos culinarios, además de la literatura.
R&C: ¿Cómo ha ido el fin de semana en Madrid?
Ticciati: Ha sido explosivo, emocionante. Ha sido bellísimo encontrar a tantas personas interesadas en aprender la danza oriental. He sido muy feliz. A pesar del lenguaje (Simona habla sólo italiano) se ha establecido un gran nivel de comunicación con las alumnas.
R&C: ¿Cuál es su pronóstico para la danza oriental en los próximos años?
Ticciati: Es un poco contradictorio, porque es verdad que hay un mayor conocimiento de la danza oriental, pero a veces la difusión conlleva va-riaciones y contaminaciones que se alejan del origen de este baile. Todo el mundo es libre de hacer experimentaciones y fusiones, pero actualmente se están tergiversando las cosas. Últimamente he oído hablar de "Orientaltango" o "Modern Belly Dance". Estas fusiones tienen algo de danza oriental,
pero no debe hablarse de ellas como si fuesen la propia danza oriental, porque son bailes completamente diferentes.
R&C: ¿Qué consejo daría a las personas que quieren enseñar danza oriental de una manera profesional?
Ticciati: Les diría muchas cosas. Primero, que se respeten siempre como personas, porque cada mujer tiene una dignidad que hacer respetar. Hay tantos intentos de agredir la dignidad de la persona, que siempre hay que incidir sobre eso. Es importante exhibirse, pero siempre respetando algunos elementos. Después, les instaría a que respeten las tradiciones. Finalmente, creo que para enseñar algo hay que amarlo. Ese es el único modo de transmitir el sentimiento de lo que se hace.
Si se pone esto en práctica, creo que el futuro de la danza oriental puede ser muy positivo.
S. Cañizal y M. Rodríguez
BollyWoodLand
El fenómeno Bollywood traspasa fronteras y la cultura india es cada vez más cercana al mundo occidental. "Bollywoodland" acerca al "Teatro Compac" de Gran Vía una historia de amor ambientada en la India. Martin Arnaud, director del musical, presenta a Maya y Anjay, los jóvenes protagonistas de una historia de amor e infortunios.
El amor es el tema central
En este caso, los chicos se conocen en una boda en Mahabalipuram donde comienza su amor y también su drama. Desde esde ese momento tendrán que sortear desavenencias sociales y familiares que pondrán a prueba su amor y darán pie a dos posibles finales: uno dramático y otro feliz.
Un espectáculo trilingüe
David Pinilla (conocido por sus trabajos en famosas series de televisión como: "Lalola", "Hospital Central" o "Cuéntame") pone voz (y presencia) al narrador de la historia que comienza de modo omnisciente para pasar a ser parte de la obra misma, interviniendo en múltiples ocasiones, a veces como comentarista y otras como protagonista. El narrador presenta a los personajes y contextualiza las escenas en español, frente a los diálogos en lengua inglesa y las canciones en hindi, de tal modo que ayuda a la comprensión de la trama, aunque parte de los diálogos están subtitulados.
Bollywoodland da el pistoletazo de salida al género oriental hindú, pero no es el único, entre otros espectáculos de este género, destacamos: "India…un viaje musical" (Teatro Prícipe, desde el 15 de abril) que, a través de la historia de una chica española que viaja a la India en busca de sus raíces, se presentan los secretos de este país mediante bailes autóctonos fusionados con tendencias de la calle, como el break dance, el hip-hop o el rock and roll.
Así pues, sólo queda disfrutar esta nueva expresión de arte llena de colorido y dinamismo.
Lo mejor
- El sonido y la iluminación.
- El vestuario, los colores y las coreografías.
Lo peor
- La trama: corta y simple.
- El narrador, aunque buen actor, cobra demasiado protagonismo.
Miriam Rodríguez Pallares
CURIOSIDADES DE LA DANZA
En la India, el Creador es un bailarín. Siva Nataraj hace bailar el mundo a través de los ci-
clos del nacimiento, la muerte y la reencarnación.
La danza de los Dioses del Panteón Griego ha sido reconocida como el origen del teatro contemporáneo occidental.
LA DANZA ORIGEN DEL TEATRO CONTEMPORÁNEO
En la Edad Media surgió una danza secreta llamada la "danza de la muerte", propiciada por la prohibición de la Igle-sia y la aparición de la Peste Negra. Ya en el Renacimiento, se reconoce la danza como objeto de estudio serio.
En la corte de Catalina de Medici (1519-1589), nacieron las primeras formas de ba-
llet de la mano del maestro Baltasar de Beauyeulx.
En la época colonizadora se prohíben las danzas y los tambores por considerarlos bastos y sexuales.
HASTA EL s.XX, EL BALLET ERA LA ÚNICA MODALIDAD EN ESTUDIO DE DANZA
En el S. XX, surge la danza moderna potenciando la libre expresión. Una de sus pioneras fue Isadora Duncan.
En los últimos años proliferan bailes como: la rumba, la samba, el tango o el cha cha chá. Con el renacer de Herlem el lindy-hop o el jitterbug; a partir de los ´50 el rock and roll, el twist y el llamado free-style; y a finales de siglo el dancing o el break.
¿QUIÉN ES QUIÉN?
Carmen Roche
Maestra del baile, de reconocimiento internacional, ha dedicado su vida a su pasión: la danza clásica.
Víctor Ullate
Bailarín, coreógrafo y director de espectáculos. Está al mando de su propia compañía y de varias escuelas de danza.
Nacho Duato
Bailarín clásico y coreógrafo, preside la Compañía Nacional de Danza desde 1990.
Miriam Rodríguez Pallares
martes, 14 de abril de 2009
Rare and Chic en Youtube
La propuesta musical del ilustrador Albert Aromir
ENTREVISTA A MANUEL VILLAESCUSA
Villaescusa: Tradicionalmente en todos los chamanismos, incluido el amazónico, con la ayahuasca, la música tiene un papel fundamental para conectar con el yo interior. He trabajado mucho tiempo en adicciones y lo que he visto es que la música ayuda a la persona a encontrar estados de conciencia elevados o agradables sin recurrir a las substancias adictivas. Es el mejor medio para alcanzar la elevación espiritual.
En cuanto al Tai Chi y al Yoga, ambos tratan de llevar la conciencia al cuerpo y de aprender a parar la mente (el pensamiento) y simplemente estar en el cuerpo, en el momento presente.
R & C: ¿Emplea sus conocimientos en estos campos cuando trabaja como psicólogo?
Villaescusa: Sí. Cuando una persona está con un alto nivel de ansiedad o un malestar elevado, o cuando durante la sesión ha tocado emociones difíciles, suelo dedicar 10 minutos de relajación profunda al final y toco el hang u otros instrumentos.
R & C: Con excepción de la guitarra, los instrumentos que toca (el spring drum, el hang, el arpa de boca o el cuenco tibetano) son poco convencionales. ¿De dónde proviene su formación?
Villaescusa: Soy en buena medida autodidacta. Por ejemplo, me enseñaron a tocar el hang, pero después, gracias a la práctica, me he ido familiarizando con el instrumento.
R & C: En sus conciertos en solitario y con su grupo Ocno promueven la música como un medio para alcanzar la elevación espiritual ¿Qué tal de aceptación tiene este tipo de música?
Villaescusa: Recientemente hemos dado un concierto de cantos armónicos en una sala de más de 100 personas y se llenó. Es un tipo de música que aún no está en la cultura general, pero que cada vez es menos minoritaria.
S. Cañizal y M. Rodríguez
PRÓXIMO CONCIERTO DE OCNO:
26 de abril. Aula 11, plaza de Tirso de Molina 8.
Y DIJO EL METRO: ¡MÚSICA, MAESTRO!
La ley en el metro no está nada clara, "los músicos no pueden tocar ni en el andén, ni en el tren, ni en las escaleras, de forma que no interrumpan el paso de los viajeros", aclara el vocal del servicio de información del suburbano, y añade que deben de contar, además, con el beneplácito de los guardias de seguridad y seguir sus indicaciones de ubicación y conducta. Entrada libre, pero bajo supervisión, al contrario que en otros metros como el de Barcelona donde la "Asociación de Músicos de la Calle" sirve como filtro y tiene sitios reservados para los artistas. En la capital, los privilegios los marca el despertador y el respeto mutuo es la mejor ley bajo tierra.
En la estación de Tribunal, María da la bienvenida y dice adiós a los pasajeros de la línea 10, se sienta en una sillita plegable y enchufa su micrófono y su guitarra a su amplificador. Es una trotamundos, una enamorada de la música que vive por y para un sueño: publicar su primera maqueta. "He venido a Madrid porque las grandes ciudades son más receptivas al arte", revela la artista, que también ha estado en Londres y París. Dos jóvenes se acercan y una niña se para en seco frente a ella, no aparta su mirada hasta que María deja en la calle del olvido su interpretación de Los Secretos y su padre la arrastra dejando dos euros y una sonrisa al pie de la artista.
Cuatro escaleras más arriba Sorín Borceta desenfunda su guitarra eléctrica. Es búlgaro y lleva más de siete años en España, huyó de su país en busca de una vida mejor y encontró el metro. Ya es un veterano en el arte de poner ritmo a las aglomeraciones de gente. Le agrada que los viajantes disfruten con su música, sentir que su trabajo sirve para algo. "No me gusta que me den dinero por pena", afirma Sorín.
Este es su día a día, lo que mejor saben hacer, unas veces con sonrisas y atenciones y otras entre autómatas con prisas en un Madrid cosmopólitan donde, en ocasiones, la música se confunde con el taconeo de cientos de pisadas o simplemente se substituye por un mp3.
Pero aunque para unos es una forma de vida, no todo artista lo es a tiempo completo. Al igual que las calles, el metro se llena en horario de ocio y muchos artistas bajan a ganarse un sobresueldo en sus horas libres.
La Seguridad no se preocupa, disfruta con la música y pone fin al concierto cuando suena la alarma. Dicen nunca haber tenido problemas con los artistas, pero una mirada cómplice parece delatar su mentira. No quieren hablar, pero su expresión dice que saben mucho. "Hay de todo, hay de todo" masculla uno de ellos.
Un refugio para la música
El metro de Madrid es un refugio para el arte musical, de forma improvisada o muy planificada, como es el caso del famoso festival anual Metrorock, que presenta la actuación de varios grupos destacados de la escena musical, u otros eventos esporádicos como la pasada "Cumbre flamenca" o el "II Festival de Creadoras en metro". Una vorágine de sentimientos unidos por el arte y diferenciados por el estilo.
Y de repente llega la noche y todo vuelve a su estado inicial, silencioso y solitario, incluso intimidante. Las taquillas se cierran, las luces se apagan y los colores se pierden. El metro duerme hasta el día siguiente, cuando la música será instada a su gustosa vuelta en el suburbano de este pongamos que invivible pero insustituible Madrid.
MADRID CELEBRA EL II FESTIVAL DE CREADORAS DE MADRID
Buika estuvo acompañada por Eva Cortés, que deleitó al público con los temas de su disco Como agua entre los dedos. Este trabajo, en el que se fusionan el jazz con el tango, el bolero o el flamenco, la consagra como una de las artistas más originales del panorama nacional.
El día 7, la cantante Conchita estrenó la canción "Cuéntale", single de su nuevo disco 4000 palabras, que saldría a la luz tres días más tarde. Compositora de su propio repertorio, esta artista mostró su peculiar sensibilidad con la fusión de la ternura, la ingenuidad, la fragilidad y la fuerza en un disco de corte minimalista y con un poderoso armazón instrumental y melódico.
Rosario Flores cerró el festival el 8 de marzo con su último álbum, Parte de mí, con el que tras 25 años de trayectoria discográfica viaja a los confines de su memoria y rescata temas que la han marcado a lo largo de su vida como "No dudaría", "Algo contigo" o "Palabras de amor".
El II Festival de Creadoras en Metro alcanzó un gran éxito, como demostró el lleno total del aforo.
Con este tipo de eventos Metro de Madrid fomenta el uso del transporte público, se convierte en escenario alternativo y acerca a todas las personas a la cultura de calidad.
Sara Cañizal Sardón
La buena salud de la ÓPERA
Esta música al servicio de la expresión teatral reivindica el talento de quien debe dominar tanto la voz como la energía física, la musicalidad y la elegancia. Una oferta a veces desplazada del ocio comercial que ahora engancha a los más jóvenes con golosos descuentos en los “días redondos”, donde los menores de 30 pagan sólo el 40% en todas las localidades, o con los precios de “último minuto”.
. . . folk melancólico. . .
Esta madrileña de 22 años aprendió a tocar la guitarra ya hace siete, y desde entonces no ha parado de componer. Ahora recorre el mapa con su último album, I love your glasses.
miércoles, 8 de abril de 2009
Editorial
Sin embargo, inevitablemente, no todo goza de igual protagonismo, y en muchas ocasiones, actividades de sumo interés permanecen a la sombra de los shows más populares, con un público fiel, pero restringido.
Rare & Chic es un proyecto conjunto que nace con la intención de promover el ocio de calidad en las más diversas facetas culturales (música, teatro, danza, pintura o cine), más allá de lo que pregonan los carteles publicitarios.
Lo popular y lo alternativo, no se riñen ni se contraponen, sino que se complementan, y así lo esperamos demostrar a lo largo de estas páginas.